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El emblemático frontman de Dire Straits tiene una imagen de sí mismo que no nos podíamos imaginar Es una leyenda, de eso no hay duda, pero el frontman de Dire Straits, Mark Knopfler, aún sigue sin considerarse cantante pese a todos los hitos que ha logrado a lo largo de su dilatada carrera. En una entrevista, el artista ha explicado cuál es la imagen que tiene de sí mismo, pese a la alta estima en la que le tenemos los demás: “Sigo sin considerarme cantante en absoluto”, confesó Knopfler. “Tardé mucho tiempo en considerarme guitarrista. Y luego como compositor, eso me llevó un tiempo. Y cantante, eso ni siquiera contaba para mí”. Pero, ¿con todo lo logrado, como puede Knopfler no considerarse cantante? Han sido muchos, muchos discos de éxito publicados a lo largo de las décadas con él a la voz. Bueno, pues según él, esto es simple producto de la necesidad: “Fui el único que lo hizo”, afirma, añadiendo que sólo siguió cantando “cuando vi que la gente no se iba”. ¿Cómo consiguió sentirse cómodo con su voz? Koplfer sigue explicando que, para aprender a cantar, se inspiró en las grandes leyendas del blues y del folk. Aunque, insiste, “no se considera cantante”, Knopler ha desvelado que hay un artista en particular que le ayudó a sentirse cómodo como vocalista. “Creo que Bob Dylan fue inspirador en el sentido de que te dabas cuenta de que no tenías que ser un clásico -ya sabes, por mucho que me guste la música y adore a Frank Sinatra y todo eso, los cantantes-, me di cuenta de que en la música folk ocurría algo más”, explicó Knopfler. “Podías ser rudo como cantante y seguir contando tu historia. Podías contar tu historia. Siempre que lo que hicieras fuera en serio”. Sea como fuere, y diga lo que diga, nosotros seguimos considerando a Knopfler como uno de nuestros cantantes favoritos. Y es que, con ese historial de éxitos, él es el único que puede cuestionarse a sí mismo.
El legado de Bruce Willis en Hollywood es prolífico, por lo que hoy recordamos 5 films clave de su filmografía.
Todos los fanáticos del rock clásico, el punk y el heavy metal recordarán a Nirvana para siempre, porque su estilo musical es una mezcla de estos géneros, más tarde conocido como “grunge”. Y aquí está uno de los detalles sobre Charly García, el primer rockero en llenar un estadioRecordamos lo que pasó en el estadio Ferro Carril Oeste en 1982, cuando Charly García hizo historia. Charly García y su creatividad fulminanteNo me imagino conversar de rock argentino sin mencionar a Charly García. Un referente, una estrella de rock, alguien que vivió miles de vidas en una, y que cada una fue inmortal en su obra, estética y legado.Desde sus comienzos en Sui Generis, e incluso antes, la música del bigote bicolor siempre se ha sentido atraída por la idea de innovar y jugar con lo nuevo. Lo ha hecho a lo largo de su carrera, no solo con sus discos sino con su filosofía de vida.Un lugar tan grande como sus ideas. En 1982, García actuó como vocalista principal con el álbum Yendo de la cama al living y desde entonces ha celebrado lo que se ha convirtió para varios en su etapa dorada. Para tal evento, el músico sabía que debía de ir más allá y que el estadio Obras o cualquier otro lugar jamás sería suficiente para cumplir con los requisitos e ideas que conspiraba en su cabeza.Por eso, decidió hacer algo que nadie había hecho antes: cantar en un estadio de fútbol.Algo realComo no podía ser de otra manera, la presentación del disco marcó un hito importante en la historia de la música popular argentina con una actuación única en el estadio Ferro Carril Oeste el 26 de diciembre de 1982. Charlie García se convirtió en el primer rockero argentino en tocar en una cancha de fútbol.Y según la televisión pública argentina, el mítico concierto solista duró dos horas y congregó a un total de 25.000 personas.El conciertoLos teloneros fueron Suéter y Los Abuelos de la Nada (cuyos integrantes también tocaron en la banda de Charly: Cachorro López, Gustavo “El Vasco” Bazterrica, Andrés Calamaro y Willy Iturri).Charly interpretó varios temas de su entonces “nuevo disco”, pero también interpretó temas de discos anteriores con Sui Generis, Serú Girán y La Máquina de Hacer Pájaros.Además, el concierto contó con estrellas invitadas como Mercedes Sosa, Pedro Aznar, Nito Mestre y Leon Gieco.https://www.youtube.com/watch?v=0Bp4nCHYx0o&t=6s&ab_channel=ReMasterBombardeos en el showSegún los espectadores presentes, uno de los momentos más impresionantes del espectáculo fue la interpretación de García de “No bombardeen Buenos Aires”.Antes de que la canción terminara a la mitad, varios “misiles” fueron llevados al escenario por cables y golpearon la ciudad instalada detrás del escenario para incendiarse.Una acusación mordaz de la Guerra de las Malvinas que había estallado unos meses atrás, y esa, es una herida que hasta ahora sigue abierta.https://www.youtube.com/watch?v=h3jMPlI92Ds&ab_channel=JimCSIRFamiliares desmienten rumores sobre su salud Aunque los rumores sobre la salud de Charlie García se habían difundido la mañana del martes 27 de junio, su familia y seres queridos desmintieron estas noticias horas después, y aclararon que el músico, como en los últimos meses, está gozando de buena salud. En horas de la mañana, el periodista Esteban Trebucq afirmó en su programa de televisión que Charly “Apenas habla o camina” y que la gente a su alrededor estaba “Muy nerviosa”.“Charly está tranquilo, mirando una peli, nada cambio en estos días”, compartió en su cuenta de Twitter la cantante Rosario Ortega, bailarina y muy amiga del fallecido músico. En la misma opinión, los familiares de Charly han confirmado a muchos periodistas que el músico no ha tenido ningún problema de salud en los últimos días y que todo se ha tratando de una noticia sin sustento, y que solo fue lanzada para generar rating, tal como también lo confirma Sergio Marchi.
Ya lo llevamos anunciando desde hace tiempo, Bruce Springsteen & The E Street Band está de vuelta con su gira de 2024. Tras su exitosa gira del año pasado, el Boss ha iniciado ya su nuevo tour con su primer concierto el pasado 19 de marzo en Phoneix, Arizona. La primera de 29 fechas en total. El de Phoneix fue el primer espectáculo que tocaron desde que tuvieron que posponer varios conciertos de 2023 debido a los problemas de salud de Springsteen, ya que, en septiembre, el cantante reveló que padecía úlcera péptica. Si había alguna duda de que Bruce Springsteen no se había recuperado completamente de la enfermedad, la idea se descartó a los pocos minutos de subir al escenario el martes en el Footprint Center de Phoenix por primera vez en seis meses. Y como sabes, el próximo mes de junio, Springsteen desembarcará en tierras españolas para ofrecer ni uno ni dos, sino 5 conciertos en total, 3 de ellos en Madrid y 2 en Barcelona. Y como en RockFM estas deseando saber que es lo que te vas a encontrar, pues te hemos recopilado todo lo que te puedes encontrar el próximo mes de junio tanto en el Estadio Metropolitano de Madrid como en el Estadio Olímpico de Montjuic. Próximos movimientos del Boss A partir de aquí, la gira de Springsteen continuará haciendo escalas en los Estados Unidos, espectáculos que fueron reprogramados a partir de 2023. Luego, en mayo, se dirigirá al extranjero para una serie de fechas en el Reino Unido y Europa antes de regresar en agosto para más espectáculos en Norteamérica. En España, podremos disfrutar de el artista de Nueva Jersey en el mes de junio con cinco fechas repartidas entre Madrid, el 12, 14 y 17 de ese mes; y Barcelona entre el 20 y 22.
Todos los fanáticos del rock clásico, el punk y el heavy metal recordarán a Nirvana para siempre, porque su estilo musical es una mezcla de estos géneros, más tarde conocido como “grunge”. Y aquí está uno de los detalles sobre uno de nuestros grupos favoritos. Entonces si eres fan de Nirvana como si no, no se puede negar que el equipo liderado por Kurt Cobain tenía unos ideales claros y los respetaba al pie de la letra. De hecho, el trío de Seattle fue tan abierto sobre sus puntos de vista que repetidamente se negaron a tocar con otras bandas. Nirvana con Kurt Cobain no fue una banda que solo hacía música. Fueron parte del movimiento “grunge” donde la música se hacía con un propósito. Una filosofía que venía arraigada en los pueblos olvidados de Seattle desde sus nacimientos. Fue algo que vino de estos lugares aislados, y que contradecían los pensamientos de la gente de las grandes ciudades como Nueva York, Chicago o Los Ángeles. Aquí es donde nace una de las bandas más importantes, con música desgarradora pero auténtica. Así que hoy te contamos de 4 de las bandas con las que se negaron a tocar juntos: 1. Ozzy Osbourne Como recuerda la revista Far Out, Cobain y compañía perdieron la oportunidad de apertura para Ozzy Osbourne. En esta ocasión, Cobain le dijo a Gilbert Blecken: “También nos ofreció hacer una gira con él, pero lo rechazamos. Será divertido y emocionante estar en sus shows recientes, pero realmente no queremos tocar en grandes estadios para apoyar a nadie. 2. Rush En una conversación similar con Blecken, Cobain también reveló que Nirvana rechazó una oferta para tocar con Rush, quien los eligió como banda de apoyo para su gira Roll The Bones en Norteamérica y Europa desde octubre de 1991 hasta julio de 1992. 3. Guns N ‘Roses A principios de la década de 1990, Guns N ‘Roses siempre estuvo en la cima de su juego, y mientras Axl Rose era fanático de Nirvana, Cobain no sentía lo mismo, sino todo lo contrario. De hecho, el músico natal de Aberdeen no solo se negaba a tocar con ellos, sino que los utiliza como ejemplo de la grandeza momentánea del género, dijo: “No somos los típicos Guns ‘N’ Roses que no tienen absolutamente nada que decir”. 4. Skid Row Finalmente, Skid Row lanzó el álbum Slave To The Grind en 1991 y realizó una gira por Norteamérica con GNR en el “Use You Illusion Tour” en 1991, del mismo modo Cobain rechazó este momento. Nirvana saltó a la fama con su segundo álbum, y una de sus canciones más destacadas fue “Smells Like Teen Spirit”. Fueron la banda sonora de un movimiento social que no quería nada, que no pedía nada, que simplemente hablaban de desesperanza y la degradación social. Es algo que fue más allá de los géneros musicales o la estética. Y lo mejor es que inculcó en sus seguidores cosas que hacían frente a la vanidad, la ambición sin sentido, la pretensión y otras. Nirvana fue una de las bandas más exitosas de la década de 1990, pero desafortunadamente solo duró 7 años. Su camino se separó con la muerte de Cobain.
El icónico logo de Korn tiene una historia curiosa pero que puede llegar a ser algo repugnante, descúbrela en este artículo. Todo tiene un por qué El logotipo de Korn tiene características que lo hacen único, como una “R” invertida o el descuido que representa el cómo está dibujado. Pero como la mayoría de las cosas en la vida, hay una razón para ello. Sin dejar lugar a opciones Jonathan Davis, el líder de la banda, le contó a Revolver el cómo surgió el logo durante los primeros días de formada la banda. La idea surgió “muy rápido”, ya que los miembros de la banda de California estaban reunidos tratando de dar con un nombre para su agrupación, Así lo recuerda el líder de la banda. Jonathan, entre risas agrega: “Luego le mencionamos al gerente Larry que nos llamaríamos Korn. Y él dijo: No puedes llamar a tu banda Korn. Así que dijimos: Bueno, entonces nos llamaremos Larry”. ¿De dónde salió el nombre? Sin duda, una de las anécdotas más interesantes es por qué eligieron el nombre de Korn para la banda. Todo el mundo sabe que el maíz es un alimento muy consumido en Estados Unidos, pero eso no influyó para nada en la elección del nombre. Jonathan Davis, declara: “Estábamos en una fiesta en Bakersfield, California, y dos hombres homosexuales estaban hablando, ya sabes de momentos en que una persona le comía el culo a la otra, pero que uno parecía tener diarrea y no pudo controlar más he hizo caca en la boca de su pareja. Cuando este último abrió la boca, tenía un grano de maíz en la lengua… …Así que a menudo digo y cada vez que me encontraba con amigos les contaba la anecdota esta del maíz solo por el placer de ver sus caras de disgusto. tanto lo repetí que simplemente se me quedó en la cabeza.“ En nuestro video de La Historia de Korn te contamos esto y muchos más datos curiosos de la banda, te lo dejamos aquí por si quieres darle una chequeada. Una buena elección En cuanto llegó el momento de elegir entre las propuestas que tenían, la banda y el equipo eligió a Korn de forma espontánea tras claro hacerle un para de alteraciones, como pensar en la “R” invertida y otros aspectos. Como si eso no fuera suficiente, los miembros decidieron convertir su creación en una marca, por lo que se dieron cuenta de que necesitaban un logotipo, y fue entonces cuando Davis se puso a trabajar. Un logotipo bastante espontaneo Jonathan cuenta: “Tomé un lápiz y una hoja de papel y escribí ‘Korn’ con la mano izquierda como lo escribiría un niño. Y esto se convirtió en nuestro logo, que bueno estaba escrito en el sobre de una carta… …Luego lo pasamos por una impresora de pantalla y comenzamos a hacer calcomanías que pegamos en todas partes”, explica el cantante de 52 años.
Descubre qué bandas británicas recibieron los mayores elogios del exlíder de Queen, Freddie Mercury. Dos grandes Para la gran mayoría, Freddie Mercury será recordado por siempre, como el mejor cantante del planeta. Sin embargo, el propio Mercury también tenia su buena playlist, sus buenos discos , incluidos ahí la que él cree que es la banda de rock más grande del mundo (a parte la suya, por supuesto). Led Zeppelin y Queen son dos bandas que miles de fans de todo el mundo pueden llamar con seguridad las mejores de la historia. Ambos grupos británicos son compañeros y sus integrantes no dudan en reconocer la grandeza de sus colegas. De hecho, el propio Robert Plant afirmó una vez que “Freddie Mercury cantó todas sus canciones desde el principio, de una forma original y como nadie las podria cantar, ni nosotros”. Llueven los elogios Mercury admitió que le gustaba el dios dorado de Led Zeppelin, Robert Plant, y dijo que admiraba el “poder irresistible” que representaba la banda. Este comentario es, por supuesto, era reciprocó ya que cada uno tenía el mismo sentimiento para con el otro. El cantante oriundo de West Bromwicha Robert Plant, elogió al gran Freddie Mercury, pronunciando estas hermosas palabras: “Todo lo que cantó lo hizo en el tono correcto, un cantó con mucha confianza y belleza”, quien fue igualmente admirado por el líder de Queen. Como recuerda la revista Far Out, Mercury afirmó una vez que Led Zeppelin era “el mejor” y, por supuesto, respondió a los elogios de Plant. “Diría que Led Zeppelin son los mejores y como banda de rock merecen todos los reconocimientos posibles”, dijo una vez Farrokh Bulsara (nombre real de Mercury) sobre el cuarteto de Londres. “Robert Plant es uno de los cantantes más originales de nuestro tiempo. Siempre ha sido mi cantante favorito y dijo cosas bonitas de mí”. La canción de Queen que Robert Plant no quiere que escuches Tras la impactante muerte de Freddie Mercury el 20 de abril de 1992, se realizó un concierto en su honor con varios artistas. De esta manera, Queen también podría concientizar sobre este tabú de la enfermedad del VIH que se vivía en esos días. Había una canción en el show que Robert Plant, cantante principal de Led Zeppelin, no quería que salga en las cintas o DVD´s del evento. La canción “Innuendo” que pertenece al último álbum que Queen grabó con Mercury. Plant era el encargado de interpretar esta pieza, pero la actuación de esa noche no fue NADA de lo que esperaba, ya que se había olvidado una parte de la letra. Y posterior a esto es como si el cantante de Led Zeppelin no quisiera que se publicara esta parte del concierto, a pesar de que fue reeditado en DVD en 2002… y es obvio según amigos cercanos a Robert, se sentía fatal por hacerle eso al tributo de Freddie. ¿Tú qué opinas? Para finalizar el articulo Perdón Plant, tenemos el video, así que a continuación te compartimos a Robert Plant y su tributo a Freddie Mercury
Gustavo Cerati fue uno de los más grandes exponentes del rock en español, además de ser considerado como uno de los mejores guitarristas y compositores del género, llegando a ser considerado como genio entre muchos. Se dice que los genios llevan una vida muy interesante de la cual podemos aprender o simplemente admirar por eso entes articulo te traigo 10 datos curiosos Sobre Gustavo Cerati. 1) Su color favorito fue el Azul, hizo referencia en su álbum bocanada. Aunque Gustavo Cerati no lo dijo directamente su preferencia sobre este color, comento en la presentación de su disco bocanada, que el consideraba el color azul, como el color de la perfección.2) A los 9 años recibió su primera guitarra. Gustavo a los 9 años le pidió a sus padres que le obsequiaran una guitarra, Lilian Clark está encantada con la idea ya que era una buena manera de que desarrollara su lado artístico. Un sábado fueron al local de un Lithier en el barrio de Boedo, cerca de la cancha de san Lorenzo, y compraron una guitarra criolla, y a las 2 semanas ya estaba tomando clases clases con una profesora que vivía a la vuelta de su casa. “Yo empecé a tocar a los 9 años. Soy zurdo, tocaba la guitarra al revés y por una cuestión de comodidad, la di vuelta y empecé a estudiar “ Gustavo Cuenta “A los 12 o 13 años compuse mis primeros temas. Probé grupitos sin importancia, cosa que sirvió para el aprendizaje, haciendo fundamentalmente música latina…” 3) El método de composición de Cerati fue siempre la melodía primero y luego llegaba el momento de acoplar una letra. Cerati tenía una forma única de expresar emociones a través de poéticas estrofas que de inmediato conectaban con las Melodías que había compuesto previamente Cuanto se le ocurría una melodía las solía tararear y así se las mostraba a Adrián Taverna su sonidista y productor de toda la vida, sin embargo, en repetidas ocasiones Cerati señaló que el, más que escribir, diseñaba las letras de sus canciones. 4) Cuando era niño dibujaba mucho, Le gustaba crear personajes de Historietas. Gustavo confiesa que este talento que tenia de pequeño de Crear Personajes fantásticos de Historietas, tan bien se ve reflejado en la música que creo con soda stereo, tal Fue el Caso de la Ciudad de la furia Donde confiesa: “Lo que hicimos más tarde, al transformarla en una canción de Soda, fue escribir una letra tomando ideas de personajes que yo dibujaba también de chico. Uno de ellos era Argos, especie de superhéroe medieval, una suerte de Ícaro terrestre, por así decirlo. La canción fue compuesta en otra época muy tremenda de la Argentina, en 1988, en plena hiperinflación y furia desatada, así que no resultó nada difícil escribir sobre una ciudad de la furia.” 5) Protagonizó la película + Bien, estrenada en noviembre de 2001 en Argentina. Cerati grabó la banda sonora del film, que cuenta con un disco de 11 canciones compuestas por Cerati, el álbum fue nominado como Mejor Álbum Instrumental Pop para los Premios Grammy Latinos. Compuesto e interpretado por Gustavo Cerati con la colaboración de Leandro Fresco, Leo García y Flavio Etcheto en samplers, y Claudia Oshiro (voz en «Es solo una ilusión»). El crítico musical de Allmusic Iván Adaime dijo que el álbum “es un buen trabajo”, y que a pesar de ser originalmente concebido como la banda sonora de la película, “realmente se destaca por sí mismo”. Además, tan bien armo la banda sonora del Largometraje, “Sólo por hoy” película tan bien lanzada en el 2001. 6) Cerati Grabo en Abbey Road, Estudio donde Grabo The Beatles y Pink Floyd. Los estudios de grabación Abbey Road están ubicados en la calle londinense del mismo nombre. Los Beatles grabaron casi la totalidad de su discografía ahí, de modo que, para la carátula del álbum Abbey Road, decidieron tomar un “retrato” de la agrupación mientras cruzaban el rayado peatonal al frente de los estudios. Pink Floyd grabó algunos de sus discos allí, incluyendo el álbum histórico “Dark Side of the Moon“, Gustavo Cerati Grabo parte de Bocanada en el estudio como el Tema “Verbo Carne” hasta se tomó una foto en la calle Abbey Road recreando la portada del Álbum de The Beatles. 7) La canción ‘Crimen’ de su disco ‘Ahí vamos’, lo obsequio a Shakira, pero finalmente se la quedó y la publicó como solista. Cerati sentía que la canción no encajaba en el álbum Ahí vamos, que tenía un estilo de Rock pesado y estuvo cerca de no ser incluida en el mismo, a tal punto que se la ofreció a su amiga Shakira para que la grabara cuando la canción se llamaba «Celos». La intervención del productor Tweety González, que de solo escucharla sin la letra ya le gustó, fue clave para convencer a Cerati de incluirla. Fue la última canción en ser grabada, en diciembre de 2005, para sorpresa de todo el tema se convirtió en la canción más conocidas y clásicas de su etapa solista y uno de sus éxitos masivos. Fue elegida en el año 2007, como mejor canción de rock de América por los premios Grammy Latino. 8) Era fanático de Charly García, se volvieron buenos amigos, pero siempre admitió que no le gustó su etapa con Sui Generis. Ambos músicos forjaron una amistad que perduró hasta el momento en que Gustavo sufrió el fatídico ACV el 15 de mayo de 2010, cuando Cerati apareció con el furor de Soda Stereo, Charly García ya estaba consagrado en el Rock Argentino, Incluso su famoso tema Raros Peinados Nuevos estaba dedicado a los estrafalarios looks de Gustavo, Charly Alberti, Zeta Bosio y otras bandas. Cerati y Charly tienen un sinfín de historias juntos y, guardan, numerosos y celebrados encuentros arriba y abajo del escenario, después de la partida de Gustavo, Charly confeso: “Me asombraba el poder que tenía él con las masas. Después entendí que, con esa arquitectura, él definía un mensaje con el que
Desmond Child, emblemático productor detrás de la composición de los más grandes éxitos de bandas como Bon Jovi o, por supuesto, Kiss, se ha sincerado sobre cómo el odio de Gene Simmons al himno “I Was Made For Lovin’ You” de su banda contribuyó a la popularidad del tema.Child ha compuesto o ayudado a crear algunas de las canciones más populares de la historia del rock pero lo cierto es que, como él mismo dice, “no habría un Desmond Child sin Paul Stanley”. ¿Por qué? Porque el frontman de Kiss fue quien le dio su primera gran oportunidad… para desgracia de Simmons.Charlando en una nueva entrevista con Mike Brunn, Child ha afirmado que Stanley fue el primero en fijarse en su talento y en darle la oportunidad de demostrarlo con, precisamente, “I Was Made For Lovin’ You”.“En primer lugar, me descubrió en un pequeño club antes de que saliera nuestro primer álbum, y me dio la oportunidad de componer con él. Se nos ocurrió ‘I Was Made For Lovin’ You’. Esa canción es la que más ha vendido en todo el mundo. Y para mí, está a la altura de las grandes canciones que he compuesto. Se licencia constantemente. Cuento con esa canción para ganarme la vida. Tener el apoyo financiero de una canción de esa magnitud me ha permitido seguir siendo creativo, y eso es todo”.Por supuesto, el trabajo duro también ayuda: “Yo les digo a mis alumnos: ‘¿Qué vas a hacer? ¿Vas a ser un aficionado? ¿Dónde vas a colgar tu pequeño adorno en el Árbol de Navidad de la Vida?’. Porque te digo que no mucha gente consigue ser la estrella en lo alto del árbol… Si tienes que hacerlo, tienes que estar dispuesto a aceptar las consecuencias de la mala suerte. He estado muy cerca de conseguir muchas cosas, pero la mala suerte se interpuso en mi camino. Por eso el empeño tiene que ser diez veces mayor. Para que una cosa salga bien”.Gene Simmons odia la canción… y eso es buenoA Simmons nunca le ha hecho ninguna gracia el himno de Kiss desde su composición, en especial los coros del principio y, en más de una ocasión, el artista ha reconocido que no soportaba interpretarla en directo. Sin embargo, para Desmond, esto es algo positivo:“Paul siempre fue mi mentor y protector en el mundo Kiss. Me puso en la lista de gente que quería ahí arriba. Así es como subí, pero una cosa que noté es que cuando Paul va a cantar ‘I Was Made For Loving You’, vuela a otro escenario. Y ahí está, en el escenario remoto, lo más lejos posible del escenario principal. Y pensé: ‘Bueno, Gene ni siquiera puede estar en el mismo escenario cuando suena esa canción [risas]”.¡QUE LO DIGA MÁS!Aunque Gene ha manifestado abiertamente su desagrado por la canción, Desmond cree que este enfoque tuvo un efecto positivo: “Creo que ha ayudado a la canción, porque la polémica siempre ayuda. En su momento, hirió mis sentimientos. Pero debería haber dicho: ‘¡Dilo más!’ [risas] Porque entonces la gente diría: ‘¿Qué? Déjame oír de qué va esto’, y entonces se darían cuenta de que les encanta”. L
El artista aclaró en las redes sociales que se está cuidando, que está haciendo las cosas bien y que su intención es seguir estando presente en Foreigner.La edad no pasa para nadie, ni siquiera para las estrellas de rock. Y por desgracia, ahora cada vez más vemos que las antiguas leyendas del rock van padeciendo cada vez más enfermedades a causa de la edad. El último ha sido Mick Jones, guitarrista de Foreigner, quien hace poco se sinceró sobre el diagnóstico de la enfermedad de Parkinson. El artista de 79 años, contó en las redes de la banda que padecía la enfermedad y les agradeció todo su apoyó a él y a Foreigner, quienes se encuentran actualmente viajando por Norteamérica en su gira de despedida, con la ausencia de Jones desde 2022.“Los fans se habrán dado cuenta de que desde hace algún tiempo no he actuado en el escenario con la banda. Hace varios años, me diagnosticaron la enfermedad de Parkinson. Quiero que todos sepan que lo estoy haciendo bien”, dijo Jones en una declaración. “Sin embargo, siempre me ha gustado dar lo mejor de mí cuando actúo en el escenario y, lamentablemente, en la actualidad, lo encuentro un poco difícil. Todavía estoy muy involucrado en el fondo con Foreigner y sigo estando presente”.Para continuar, aclaró cual es la situación del día a día sufriendo la enfermedad: “El Parkinson es una lucha diaria; lo importante es perseverar y recordar la maravillosa carrera que he tenido en la música. Agradezco a todos los fans que han apoyado a Foreigner a lo largo de los años y continúan asistiendo a nuestros conciertos. Quiero que sepan que aprecio su apoyo; Siempre significa mucho para mí, pero especialmente en este momento de mi vida”.