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La recuperación de la lesión de voz de Steven Tyler es imposible, por lo que los de Boston han decidido abandonar su carrera en conjunto definitivamente La noticia de la retirada de Aerosmith ha caído como un jarro de agua fría no solo entre los fans, sino entre sus compañeros de oficio, para muchos de los cuales fueron una gran inspiración. Después de que la banda de Boston compartiese este mensaje a través de sus redes sociales, las reacciones no se han hecho esperar: “Corría 1970 cuando una chispa de inspiración se convirtió en Aerosmith. Gracias a vosotros, nuestro Ejército Azul, esa chispa prendió y lleva ardiendo más de cinco décadas. Algunos de vosotros habéis estado con nosotros desde el principio y todos sois la razón por la que hemos hecho historia en el rock and roll. Ha sido el honor de nuestras vidas que nuestra música forme parte de la vuestra. En cada club, en cada gira masiva y en momentos grandiosos y privados nos habéis dado un lugar en la banda sonora de vuestras vidas. Siempre hemos querido haceros volar la cabeza cuando actuamos. Como sabéis, la voz de Steven es un instrumento como ningún otro. Lleva meses trabajando incansablemente para que su voz vuelva a ser la que era antes de su lesión. Le hemos visto luchar a pesar de contar con el mejor equipo médico a su lado. Tristemente, está claro que no es posible una recuperación completa de su lesión vocal. Hemos tomado una decisión desgarradora y difícil, pero necesaria, como banda de hermanos, de retirarnos de las giras. Estamos agradecidos más allá de las palabras por todos los que se animaron a salir a la carretera con nosotros por última vez. Agradecidos a nuestra experta tripulación, a nuestro increíble equipo y a los miles de talentos que han hecho posible nuestras históricas carreras. Un agradecimiento final a vosotros, los mejores fans del planeta Tierra. Poned nuestra música a todo volumen, ahora y siempre. Sigue soñando. Has hecho realidad nuestros sueños”. Uno de los primeros en mostrar su respeto y admiración hacia los de Steven Tyler ha sido Slash, guitarrista de Guns N Roses: “Sólo quería tomarme un momento para dar las gracias a Aerosmith por todo. Sin esta banda, nada de esto habría sido posible“. Lo ha hecho a través de sus redes, donde ha colgado un fragmento de un video de Aerosmith tocando “Train Kept A Rollin” en el programa de televisión The Midnight Special en 1974. El también guitarrista Tracii Guns (L.A. Guns) ha agradecido por el mismo medio la compañía que le hizo su música cuando era un adolescente: “Os quiero, Aerosmith. Gracias por dejarme escuchar vuestros discos desde que era adolescente hasta hoy. Gracias por la educación y los recuerdos”.
Los históricos rockeros han compartido su paso por Chicago y Detroit Si hay algo mejor que disfrutar en directo de una de las bandas más históricas del rock, es poder hacerlo de dos, y esto es lo que están viviendo los asistentes a la gira que están haciendo en conjunto Def Leppard y Journey. El pasado 6 de julio ambas bandas arrancaron en el Busch Stadium de St. Luis (Misuri) y lo hicieron compartiendo escenario con Cheap Trick, que regresará para los dos últimos conciertos. En la mayoría del resto de fechas estarán acompañados por los también imprescindibles Steve Miller Band. Desde entonces, y hasta el 10 de septiembre, ambos grupos recorrerán Estados Unidos ofreciendo un repertorio completamente distinto al que han estado utilizando hasta ahora, como anunció el guitarrista Phil Collen en una entrevista para Ultimate Classic Rock: “Hemos cambiado todo el repertorio. Ya sabes, hay una pantalla completa [de producción] y hemos estado usando prácticamente el mismo material durante unos 12 años. Así que lo hemos cambiado por completo. El espectáculo en el escenario es drásticamente diferente. Va a requerir mucha energía. Habrá mucho correr de un lado a otro. Así que estoy entrenando, tratando de aumentar la resistencia y todo eso. Vocalmente también. Ya sabes, tengo que cantar todos los días”. El líder de Def Leppard, Joe Elliott, también compartió anteriormente que el repertorio celebrará partes específicas de la historia de las bandas: “Incluso podemos tener una sorpresa o dos bajo la manga”. 13 de las 18 canciones del set de Def Leppard pertenecen a los álbumes ‘Pyromania’ y ‘Hysteria’, ambos esenciales en la discografía de la banda. Entre las canciones incluidas en el set están “Pyromania”, que es el tema seleccionado para la apertura, “Rock! Rock! (Till You Drop)”, y “Just Like 73”, el último single de Def Leppard que salió a la luz el 20 de junio y en el que colaboran con Tom Morello (Rage Against The Machine).
Gene Simmons Band ofrecerá en agosto dos conciertos en nuestro país. El primero será el 13 de agosto en Sant Feliu de Guíxols (Girona), en el marco del 62 Festival Porta Ferrada y las entradas ya están a la venta en la web del festival. Esta fecha se suma a la recientemente anunciada del 14 de agosto en Madrid (La Rivera). Hablamos de una leyenda del rock internacional y cofundador de KISS, el grupo estadounidense con más discos de oro de todos los tiempos (RIAA, Recording Industry Association of America). Con su estilo inconfundible y su presencia imponente en el escenario, Simmons promete un espectáculo único en Porta Ferrada junto a los legendarios Obús y Motörhits. Al día siguiente, Obús volverán a acompañarle en la cita madrileña. En su faceta emprendedora, Simmons ha logrado un éxito que va mucho más allá de su carrera musical, extendiéndose a la televisión, el cine, publicaciones, comercialización, restaurantes y mucho más.
La década de los 80 fue una era dorada para el rock, caracterizada por la innovación y la experimentación que dieron lugar a una vasta colección de himnos perdurables. Aquí presentamos un análisis detallado de las diez canciones de rock más emblemáticas de los años 80, explorando su impacto, historia y legado. 10. Twisted Sister – We’re Not Gonna Take it (1984) https://www.youtube.com/watch?v=4xmckWVPRaI&pp=ygUzVHdpc3RlZCBTaXN0ZXIg4oCTIFdl4oCZcmUgTm90IEdvbm5hIFRha2UgaXQgKDE5ODQp “We’re Not Gonna Take It” de Twisted Sister es uno de los himnos más emblemáticos del rock de los años 80. Publicada en 1984 como parte del álbum Stay Hungry, la canción se convirtió rápidamente en un éxito, resonando con audiencias de todo el mundo gracias a su mensaje de rebelión y su pegajosa melodía. La canción refleja el espíritu de rebelión que resonó con la juventud de la época, sirviendo como un grito de guerra para aquellos que se sentían oprimidos o reprimidos. Dee Snider escribió la canción como una respuesta a las presiones que enfrentaban tanto él como la banda, creando un himno que se convirtió en un símbolo de autonomía y desafío. 9. “Dancing in the Dark” – Bruce Springsteen (1984) https://www.youtube.com/watch?v=129kuDCQtHs&pp=ygUcaHR0cHM6Ly95b3V0dS5iZS8xMjlrdURDUXRIcw%3D%3D “Dancing in the Dark” de Bruce Springsteen es una de sus canciones más icónicas y un destacado de su carrera. Lanzada en 1984 como el primer sencillo de su exitoso álbum Born in the U.S.A., la canción ayudó a catapultar el álbum a la fama mundial y se convirtió en uno de sus mayores éxitos comerciales.Bruce Springsteen compuso “Dancing in the Dark” como respuesta a la presión de su manager, Jon Landau, para que escribiera un sencillo que pudiese ser un éxito de radio. Springsteen se sintió frustrado por la exigencia de escribir un hit, pero finalmente creó esta canción en una sola noche.La canción explora temas de frustración y deseo de escapar de la rutina diaria. La letra refleja un anhelo por cambiar las circunstancias de uno mismo y encontrar algo más significativo en la vida. 8. “Another One Bites the Dust” – Queen (1980) https://youtu.be/NVIbCvfkO3E “Another One Bites the Dust” es una de las canciones más icónicas de Queen, lanzada el 22 de agosto de 1980 como parte de su álbum The Game. Con su distintivo riff de bajo y su fusión de rock, funk y disco, la canción no solo se convirtió en un gran éxito, sino que también destacó la habilidad de la banda para adaptarse a las tendencias musicales de la época.La letra utiliza el tema de la supervivencia y la superación. Aunque es interpretada de diversas maneras, a menudo se ve como una metáfora de los desafíos personales y conflictos. Con versos como “Another one bites the dust / And another one gone, and another one gone”, la canción transmite una sensación de enfrentarse a las adversidades con determinación. 7. “Eye of the Tiger” – Survivor (1982) https://youtu.be/btPJPFnesV4 En el verano de 1982, mientras el mundo del cine y la música estaban al borde de un cambio, la banda estadounidense Survivor se encontraba en un momento crucial de su carrera. Fue en este contexto que nació “Eye of the Tiger”, un tema que no solo definiría a la banda sino también una era.La historia comienza con Sylvester Stallone, quien buscaba una canción poderosa para acompañar la lucha de su icónico personaje en Rocky III. Después de no lograr los derechos para usar “Another One Bites the Dust” de Queen, Stallone decidió contactar a Survivor. El encargo era claro: necesitaba un tema que capturara el espíritu de la pelea, la perseverancia y la victoria.“Eye of the Tiger” no solo definió a Survivor, sino que dejó una huella imborrable en la cultura popular. La canción ganó un Grammy por Mejor Interpretación Vocal de Rock por un Dúo o Grupo en 1983 y fue nominada a un Premio de la Academia por Mejor Canción Original. Las ventas superaron los 7 millones de copias, asegurando su lugar como uno de los sencillos más vendidos de la década. 6. “Jump” – Van Halen (1984) https://youtu.be/SwYN7mTi6HM En el amanecer de 1984, Van Halen, una de las bandas más icónicas del hard rock, se preparaba para un gran cambio. Fue en este contexto de innovación y experimentación que nació “Jump”, un tema que redefiniría la imagen de la banda y marcaría un hito en la historia del rock.El guitarrista Eddie Van Halen, conocido por su virtuosismo en la guitarra, sorprendió a todos al centrarse en el teclado para esta nueva canción. La idea de “Jump” había estado rondando su mente durante años, pero no había encontrado el momento adecuado para desarrollarla. En su estudio personal, conocido como 5150 Studios, Eddie comenzó a trabajar en el icónico riff de teclado que se convertiría en el corazón de “Jump”.David Lee Roth, el carismático vocalista de la banda, aportó la letra inspirada en un incidente trivial. Un día, mientras observaba las noticias en la televisión, vio a un hombre que amenazaba con saltar desde una ventana de un edificio. Aunque trágica, la situación le inspiró a escribir el verso “Go ahead and jump”, pero en un giro positivo, como un llamado a la acción y al atrevimiento. El contraste entre la energía optimista de la música y el origen más oscuro de la letra agregó una profundidad inesperada al tema. 5. “Pour Some Sugar on Me” – Def Leppard (1987) https://youtu.be/eqNZyc-YBGQ En el bullicio de 1987, cuando el glam metal y el rock de estadio dominaban las listas, Def Leppard lanzó una canción que definiría una era. “Pour Some Sugar on Me”, un himno cargado de energía y sensualidad, se convertiría en el éxito que catapultó al álbum Hysteria a lo más alto y aseguró el legado de la banda británica.La historia detrás de la creación de “Pour Some Sugar on Me” es tan fascinante como el propio tema. Tras el accidente automovilístico en 1984 que costó el brazo al baterista Rick Allen, la banda enfrentaba un desafío monumental. Decididos a no rendirse, comenzaron a trabajar en Hysteria con una visión clara: crear un álbum que no solo fuera un éxito,
El rock es un género musical conocido por su energía, su rebeldía y su constante búsqueda de innovación. A lo largo de su historia, numerosas bandas y artistas han experimentado con una amplia variedad de instrumentos para crear sonidos únicos y distintivos.En este artículo, exploraremos algunos de los instrumentos más extraños utilizados en el rock, destacando cómo han contribuido a la evolución del género y mencionando ejemplos notables de su uso.Cuando pensamos en rock, es probable que lo primero que venga a la mente sean guitarras eléctricas, bajos y baterías. Sin embargo, muchos músicos han ido más allá de estos instrumentos convencionales, incorporando herramientas inusuales para crear efectos sorprendentes y expandir los límites del sonido rock. Aquí, analizamos algunos de estos instrumentos poco comunes y su impacto en la música rock. Theremin El theremin es uno de los instrumentos electrónicos más antiguos, inventado por Léon Theremin en 1920. Se toca sin contacto físico: el intérprete mueve las manos cerca de dos antenas que controlan la frecuencia y la amplitud del sonido.Uno de los usos más famosos del theremin en el rock es en “Good Vibrations” de The Beach Boys. Brian Wilson lo utilizó para crear el distintivo sonido psicodélico de la canción, demostrando cómo este instrumento puede añadir una capa etérea y futurista a la música rock. Mellotron El Mellotron es un teclado electromecánico desarrollado en los años 60. Utiliza cintas de audio pregrabadas para reproducir sonidos de instrumentos orquestales, lo que permite a los músicos incorporar cuerdas, coros y otros sonidos sin necesidad de una orquesta completa.El Mellotron fue popularizado por bandas de rock progresivo como King Crimson y The Moody Blues. “Strawberry Fields Forever” de The Beatles es otro ejemplo icónico, donde el Mellotron contribuye a la atmósfera onírica de la canción. Sitar El sitar es un instrumento de cuerda tradicional de la India, famoso por su sonido resonante y sus complejas técnicas de ejecución. Ha sido un elemento central en la música clásica india durante siglos.El sitar fue introducido al rock occidental por George Harrison de The Beatles, especialmente en canciones como “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)”. La incorporación del sitar añadió un toque exótico y meditativo al rock psicodélico de la década de 1960. Clavioline El Clavioline es un teclado electrónico monofónico inventado en la década de 1940. Es conocido por su sonido distintivo que puede imitar una variedad de instrumentos.Uno de los ejemplos más famosos del Clavioline en el rock es “Telstar” de The Tornados, un éxito instrumental de 1962. El uso del Clavioline en esta canción ayudó a crear un sonido futurista y espacial que capturó la imaginación del público. Hurdy Gurdy El hurdy gurdy es un instrumento de cuerda mecánico que data de la Edad Media. Se toca girando una manivela que frota una rueda contra las cuerdas, similar al funcionamiento de un arco de violín, mientras que un teclado manipula las cuerdas melódicas.El hurdy gurdy ha sido utilizado por bandas de rock folk y medieval, como Blackmore’s Night, la banda de Ritchie Blackmore. También aparece en la música de artistas como Donovan, quien lo usó en su canción “Hurdy Gurdy Man”. Chapman Stick El Chapman Stick es un instrumento de cuerda eléctrico inventado por Emmett Chapman en la década de 1970. Combina características de la guitarra y el bajo, y se toca mediante tapping, lo que permite al músico tocar melodía, armonía y bajo simultáneamente.Tony Levin, conocido por su trabajo con King Crimson y Peter Gabriel, es uno de los intérpretes más famosos del Chapman Stick. Este instrumento ha permitido a músicos crear texturas sonoras complejas y polifónicas que no son posibles con instrumentos tradicionales de cuerda. Didgeridoo El didgeridoo es un instrumento de viento tradicional de los aborígenes australianos, conocido por su sonido profundo y resonante. Se toca mediante una técnica de respiración circular, que permite producir un tono continuo.El didgeridoo ha sido utilizado por bandas como Jamiroquai en su álbum “Emergency on Planet Earth” y por artistas como Xavier Rudd, quien lo combina con elementos de rock y folk para crear una fusión única. Omnichord El Omnichord es un instrumento electrónico desarrollado por Suzuki en la década de 1980. Combina un teclado con un “strumplate” que permite tocar acordes y melodías simultáneamente. El Omnichord ha sido utilizado por bandas y artistas como Radiohead y Björk para añadir texturas electrónicas y atmosféricas a su música. Su facilidad de uso y su sonido distintivo lo hacen una herramienta popular para la experimentación sonora. Kalimba La kalimba, también conocida como piano de pulgar, es un instrumento africano que consiste en una serie de lengüetas de metal montadas sobre una caja de resonancia. Se toca pulsando las lengüetas con los pulgares.La kalimba ha sido utilizada por artistas como Earth, Wind & Fire, quienes incorporaron el instrumento en su música para añadir un toque exótico y rítmico. También ha aparecido en las grabaciones de bandas de rock alternativo que buscan explorar sonidos no convencionales. Gamelán El gamelán es un conjunto instrumental tradicional de Indonesia, que incluye una variedad de instrumentos de percusión como gongs, metalófonos y tambores. Es conocido por sus intrincadas y polirrítmicas composiciones. El gamelán ha sido utilizado por bandas de rock experimental y avant-garde, como Sonic Youth, quienes han incorporado estos instrumentos en sus grabaciones para crear paisajes sonoros complejos y atmosféricos.
Argentina será el séptimo país en albergar esta retrospectiva de Pink Floyd, su música y el impacto que tuvo en el arte y la cultura. Los fanáticos de Pink Floyd tienen una cita imperdible. Por primera vez, llega a Sudamérica la experiencia interactiva The Pink Floyd Exhibition: Their Mortal Remains. Luego de su exitoso paso por Londres, Roma, Madrid, Dortmund, Los Ángeles, Montreal y Toronto, la Argentina recibe esta exposición el próximo 10 de septiembre en La Rural (Av. Sarmiento 2704, CABA). Primero habrá una preventa exclusiva para clientes Galicia el 10 y 11 de julio o hasta agotar stock: 20% de ahorro y hasta 6 cuotas sin interés con tarjeta Galicia Visa (crédito). Luego llega la venta general con todos los medios de pago desde el 12 de julio, hasta 6 cuotas sin interés con tarjeta Galicia Visa (crédito). Argentina será el séptimo país en albergar esta retrospectiva de Pink Floyd, su música y el impacto que tuvo en el arte y la cultura. De acuerdo a lo informado, los asistentes se encontrarán con “un recorrido inmersivo a través del mundo de Pink Floyd, que conjuga eventos audiovisuales de alta tecnología, objetos y paisajes surrealistas que evolucionan a lo largo de la exposición “. La exposición es una colaboración entre los miembros de Pink Floyd y el curador Aubrey “Po” Powell que presenta más de 350 objetos recopilados a lo largo de la carrera de la banda, muchos de los cuales no se habían visto antes: letras escritas a mano, instrumentos musicales, cartas, obras de arte originales y muchos accesorios de escenario. Algunos de estos artículos estuvieron almacenados en instalaciones, estudios de cine y en las colecciones personales de cada uno de los miembros de la banda y ahora fueron rescatados para la exposición. Este evento inmersivo está producido por Michael Cohl de S2BN Entertainment, en asociación con DG Experience. https://youtu.be/RHSJa3J8Slw
Tras su inolvidable actuación en la inauguración de los Juegos Olímpicos París 2024, Céline Dion publicó en sus redes sociales un mensaje para compartir lo feliz que se sintió al estar en tamaño escenario.“¡Me siento honrada de haber actuado esta noche, para la ceremonia de apertura de París 2024, y tan llena de alegría de estar de vuelta en una de mis ciudades favoritas!”, confesó la artista canadiense. En su mensaje dedicó también unas palabras a todos los atletas que participan en los juegos: “Sobre todo, estoy muy feliz de celebrar a estos increíbles atletas, con todas sus historias de sacrificio y determinación, dolor y perseverancia. Todos ustedes han estado tan concentrados en su sueño, y si se llevan o no una medalla a casa, ¡espero que estar aquí signifique que se ha hecho realidad para ustedes! Todos deberían estar tan orgullosos, sabemos lo duro que han trabajado para ser los mejores de los mejores. Mantente concentrado, sigue adelante, ¡mi corazón está contigo!”. Desde lo alto de la Torre Eiffel, Céline Dion fue la encargada de cerrar, magistralmente, la inauguración de los juegos con su conmovedora interpretación de Hymne à l’amour (Himno al amor), la canción de la célebre artista francesa Édith Piaf. Lady Gaga ofreció una actuación deslumbrante como primer acto musical durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de París 2024, aunque todo fue pregrabado.La artista ganadora de un Grammy y un Oscar inició su actuación en unas escaleras frente al río Sena, cantando “Mon Truc en Plumes” en un homenaje a la bailarina, actriz y cantante francesa Zizi Jeanmaire. La acompañaba un grupo de ocho bailarines que portaban abanicos de plumas rosadas, todos vestidos con trajes de Dior. Despúes Gaga tocó el piano.“Aunque no soy una artista francesa, siempre he sentido una conexión muy especial con los franceses y con el canto de música francesa; lo único que quería era crear una actuación que alegrara el corazón de Francia, celebrara el arte y la música franceses, y, en una ocasión tan importante, le recordara a todos de una de las ciudades más mágicas del mundo: París”, escribió la cantante en X después de su actuación.Los representantes de la cantante no respondieron a una solicitud de comentarios sobre por qué su actuación fue pregrabada.Un reportero de The Associated Press vio a Gaga comenzar a calentar unas tres horas antes de que iniciara la ceremonia de apertura. Gaga actuó durante aproximadamente una hora antes de saludar a los fans mientras se alejaba.La aparición de Gaga fue una sorpresa, ya que no figuraba en un programa proporcionado a los medios con anticipación, pero se rumoró mucho después de que la cantante y actriz fuera vista en París.
Para la gran mayoría, Freddie Mercury será recordado por siempre, como el mejor cantante del planeta. Sin embargo, el propio Mercury también tenía su buena playlist, sus buenos discos, incluidos ahí la que él cree que es la banda de rock más grande del mundo (a parte la suya, por supuesto). Led Zeppelin y Queen son dos bandas que miles de fans de todo el mundo pueden llamar con seguridad las mejores de la historia. Ambos grupos británicos son compañeros y sus integrantes no dudan en reconocer la grandeza de sus colegas. De hecho, el propio Robert Plant afirmó una vez que “Freddie Mercury cantó todas sus canciones desde el principio, de una forma original y como nadie las podría cantar, ni nosotros”. Mercury admitió que le gustaba el dios dorado de Led Zeppelin, Robert Plant, y dijo que admiraba el “poder irresistible” que representaba la banda. Este comentario es, por supuesto, era reciprocó ya que cada uno tenía el mismo sentimiento para con el otro. El cantante oriundo de West Bromwicha Robert Plant, elogió al gran Freddie Mercury, pronunciando estas hermosas palabras: “Todo lo que cantó lo hizo en el tono correcto, un cantó con mucha confianza y belleza”, quien fue igualmente admirado por el líder de Queen. Como recuerda la revista Far Out, Mercury afirmó una vez que Led Zeppelin era “el mejor” y, por supuesto, respondió a los elogios de Plant. “Diría que Led Zeppelin son los mejores y como banda de rock merecen todos los reconocimientos posibles”, dijo una vez Farrokh Bulsara (nombre real de Mercury) sobre el cuarteto de Londres. “Robert Plant es uno de los cantantes más originales de nuestro tiempo. Siempre ha sido mi cantante favorito y dijo cosas bonitas de mí”.
Manolo Bellón, presenta su nuevo Libro “Conspiraciones, mitos y leyendas en la historia de la música” Por: Jaime Ponce, corresponsal de VERACRUZ ESTEREO DIGITAL Bogotá. En Bogotá y en el marco de la 36ª edición de la Feria internacional del Libro, la editorial Penguin – Random House, presenta el nuevo libro del melómano y periodista colombiano de música, Manolo Bellón, quien hablo con VERACRUZ ESTEREO DIGITAL, sobre su obra. Bellón, quien celebra en este 2024, 54 años de trabajo continuó y activo en los medios, publica su nueva obra, en la que reúne algunas de las “teorías”, o chismes, sobre las grandes y míticas bandas del rock y a su vez logra desmitificar, hechos o eventos, que han surgido en algún momento en el exterior o en nuestro país y los artistas que nos han visitado, o algunos que nunca llegaron, como fue el caso de la banda británica The Beatles, de la cual se dijo, visitó Colombia, de manera clandestina, para apoyar a una fundación. Durante el evento de presentación de su obra, el reconocido DJ, de mayor edad en la radio colombiana (74 años, recién cumplidos), destacó que, por ejemplo en el capítulo 5, decidió reunir relatos cortos, sobre leyendas urbanas, como la supuesta visita fugaz de los miembros de otra popular banda británica, refiriéndose a The Rolling Stones, mucho antes de su inolvidable presentación en Bogotá en 2016; en la década de los setententa, se rumoró que Mick Jagger (Lider vocal, guitarrista, armonista y compositor) y sus amigos, habían pasado por Colombia, en alguna presentación privada o de vacaciones. Hasta hoy día, nunca, nadie, ha podido confirmar con evidencias. Otras historias, como que “¿Madonna, dedicó su canción La Isla Bonita a San Andrés, después de visitarla?, ¿Que Santana, estuvo en la Guajira? ¿que los reconocidos músicos Nicolo Paganini y el intérprete de Blues Robert Johnson, vendieron su alma al Diablo, o ¿qué Sir Paul McCartney murió en 1966 y lo suplantó un doble?, también forman parte de esta reveladora obra, que ya está a la venta en todas las librerías del país y en la FilBo 2024, a precio de feria. ($60.000).
Si nos referimos a una imagen simbolizada, asociada del Heavy Metal, y una banda en particular, hablamos de Eddie The Head, “mascota” de Iron Maiden. Adornado con diferentes historias, morfologías, incluso criticada por sus portadas llamándolas “satánicas” que se convirtió en la imagen más reconocible del merchandising de la banda. Este personaje aparece en todas las portadas de los álbumes de la banda.Según el autor Neil Daniels en su biografía “The origin Iron Maiden”, el personaje hace referencia a los orígenes de la banda británica a finales de los 70, cuando entre sus integrantes se encontraba el bajista y líder Steve Led by Jeff Harris, para darle un toque con más drama, decidieron instalar una cabeza de muñeco tétrica detrás del escenario.¿De dónde nació Eddie The Head?El manager de Iron Maiden, Rod Smallwood, menciono que, “Eddie nació del hecho de que los miembros de la banda eran muy tímidos, así que tuvimos que inventarnos una criatura que diera la cara por ellos. De ese modo, nació la idea de agregarle piernas y brazos a Eddie, para convertirlo en personaje de portada. Quisimos que fuera enigmático. Tiene diferentes formas y tamaños, puede ser etéreo, salvaje; siempre divertido y siempre de nuestro lado. Desde su creación, ha sido muy divertido trabajar con él”.Por otro lado, Derek Riggs, en una entrevista mencionó que se inspiró en una propaganda de guerra publicada durante la Guerra de Vietnam.