Notas y efemérides

Los argentinos actuarán en España en mayo de 2025 El grupo de Heavy Metal – Hard Rock RATA BLANCA volverá a los escenarios españoles con una extensa gira en mayo de 2025. Serán ocho conciertos en Bilbao, Madrid, Barcelona, Mallorca, Alicante y Málaga, con dos ciudades todavía por confirmar. Las fechas anunciadas son: Conciertos de RATA BLANCA en España Jueves 1 de mayo de 2025 – Por confirmar Viernes 2 de mayo de 2025 – Bilbao (sala Santana 27) Sábado 3 de mayo de 2025 – Madrid (sala La Riviera) Domingo 4 de mayo de 2025 – Barcelona (Razzmatazz) Jueves 8 de mayo de 2025 – Mallorca (Es Gremi) Viernes 9 de mayo de 2025 – Por confirmar Sábado 10 de mayo de 2025 – Alicante (The One) Domingo 11 de mayo de 2025 – Málaga (sala Paris 15)

La moneda representa varias encarnaciones de la mascota de la banda de Heavy Metal El grupo de Heavy Metal IRON MAIDEN suma otra moneda de plata a su colección, «Best Of Eddie», creada por Parthava Coin. En ella aparecen diferentes versiones de la mascota de la banda británica, Eddie. En una de sus caras podemos ver representados Eddies de distintas portadas de la Doncella de varias épocas: «Fear Of The Dark», «Powerslave», «Senjutsu», «Book Of Souls», «The Trooper», «The Number Of The Beast», «Piece Of Mind» y «Killers». La moneda, que llega después de otras dedicadas a trabajos como «Powerslave«, «Fear Of The Dark», «Senjutsu» y una moneda y billete de plata de «Book Of Souls» está limitada a 666 piezas. Esta moneda de plata de 3 onzas de las Islas Cook rinde homenaje a Eddie, la icónica mascota de la legendaria banda de Heavy Metal IRON MAIDEN. Durante más de 40 años, Eddie ha encarnado el espíritu rebelde de la banda, transformándose en diversos papeles como guerrero, soldado y faraón con cada álbum.

10) La portada del álbum “Nevermind” de Nirvana, con un bebé sumergido en una piscina tratando de agarrar un billete de un dólar. Es considerada importante por varias razones. En primer lugar, la imagen se ha convertido en un icono cultural y es ampliamente reconocida en todo el mundo, y la portada del álbum se ha convertido en una de las más influyentes y polémicas de la historia del rock, además la imagen es vista como un símbolo de la cultura pop de los años 90 y el movimiento grunge. En general, la portada del álbum “Nevermind” de Nirvana ha llegado a representar tanto el espíritu rebelde de la banda como el legado del rock alternativo en la década de 1990, y sigue siendo una imagen icónica y muy influyente en la cultura popular actual. 9) La fotografía de Jimi Hendrix prendiendo fuego a su guitarra en el Festival de Monterrey de 1967. La fotografía de Jimi Hendrix prendiendo fuego a su guitarra en el Festival de Monterrey de 1967 es considerada importante y se ha convertido en una imagen icónica de la historia del rock. La imagen es reconocida como un momento clave en la carrera de Hendrix, y su actuación en el Festival de Monterrey se considera uno de los momentos más importantes en la historia del rock. Además, la imagen captura la pasión y la energía de Hendrix como artista, y se ha convertido en una imagen emblemática de la cultura pop y de la música en general. 8) La imagen de The Beatles cruzando Abbey Road en Londres. una imagen icónica de la cultura Rock y es reconocida en todo el mundo. La fotografía es considerada importante en la historia de la música en general, y ha llegado a representar tanto el legado de The Beatles como el espíritu de la década de 1960. Además, la imagen ha sido objeto de muchas interpretaciones y teorías a lo largo de los años, lo que ha aumentado su importancia en la cultura popular. En general, la imagen de The Beatles cruzando Abbey Road es una de las imágenes más reconocidas y emblemáticas de la historia del rock, y sigue siendo una fuente de inspiración para músicos y fans en todo el mundo. 7) La fotografía de Elvis Presley tocando su guitarra en el escenario, con sus piernas abiertas y su cabello moviéndose al ritmo de la música. Es una imagen icónica. La fotografía se ha convertido en un símbolo del talento y el magnetismo de Presley como artista, y ha llegado a representar el espíritu del rock and roll de los años 50. Además, ha sido objeto de muchas interpretaciones y homenajes a lo largo de los años. La fotografía de Elvis Presley tocando su guitarra en el escenario es una imagen importante en la historia de la música, y sigue siendo un recordatorio del legado y el impacto de Presley en la cultura del Rock and Roll. 6) La imagen de Bob Dylan con una guitarra acústica, tocando en un concierto en el Philharmonic Hall de Nueva York. Es considerada una imagen importante en la historia de la música folk y del rock. La fotografía se ha convertido en un símbolo del talento y la creatividad de Dylan como compositor y músico, y ha llegado a representar el espíritu de los movimientos contraculturales de los años 60. Además, la imagen ha sido objeto de muchas interpretaciones y análisis, y se ha convertido en un ícono de la cultura popular. En general, la imagen de Bob Dylan tocando su guitarra acústica en el Philharmonic Hall de Nueva York es una imagen icónica que sigue siendo una fuente de inspiración y admiración para muchos fans y músicos en todo el mundo. 5) La portada del álbum “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd, con el icónico prisma y la luz que atraviesa el vidrio. Imagen icónica grabada en el subconsciente cultural, que se ha convertido en un símbolo del rock progresivo y de la psicodelia de los años 70. La imagen ha sido objeto de numerosas interpretaciones y teorías, y se ha convertido en un ícono de la música en general.   La portada del álbum “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd es una de las portadas de álbumes más icónicas de todos los tiempos. El prisma de vidrio rojo y blanco con un rayo de luz que atraviesa el vidrio es un símbolo de la lucha entre la luz y la oscuridad que se encuentra en la vida humana.   El prisma también se ha convertido en un símbolo de la creatividad y el pensamiento fuera de lo común que Pink Floyd trajo a la música rock. 4) La fotografía de Bruce Springsteen en la portada del álbum “Born in the USA”, en la que se lo ve de pie con la bandera estadounidense de fondo. una imagen icónica en la cultura popular y en la historia de la música rock. La imagen se ha convertido en un símbolo de la identidad estadounidense y de la lucha por la justicia social, y ha sido objeto de numerosas interpretaciones y análisis. La fotografía ha llegado a representar el espíritu de la música de Springsteen y su compromiso con las cuestiones sociales y políticas de su tiempo. En general, la imagen de Bruce Springsteen con la bandera estadounidense en la portada del álbum “Born in the USA” es una imagen poderosa y significativa que sigue siendo una fuente de inspiración y reflexión para muchos fanáticos 3) La imagen de Janis Joplin con su sonrisa característica, cantando en Woodstock. En aquel entonces, Joplin era una de las estrellas más grandes de la música rock, y su actuación en Woodstock se considera una de las mejores de su carrera. La fotografía de Joplin en Woodstock ha llegado a representar tanto la personalidad única de la artista como su contribución a la música de la época. Esta imagen es considerada importante por varias razones. Es reconocida como un momento clave en la historia

Cada 12 de agosto, los amantes de la música celebran el Día Internacional del Disco de Vinilo, una efeméride que nos invita a recordar y honrar un formato que marcó una era en la historia de la música. Este día tiene su origen en 2002, en California, cuando un grupo de entusiastas decidió establecer una fecha para preservar y celebrar el legado musical del pasado a través del vinilo. El disco de vinilo, introducido en 1948, se convirtió en el principal medio de reproducción de música durante las décadas de los 50, 60, 70 y 80. Aunque la aparición del CD-Audio en los años 90 provocó una disminución en su producción, el vinilo ha experimentado un renacimiento, manteniéndose como un formato popular entre los DJs y coleccionistas que valoran su calidad sonora y su autenticidad. La celebración del Día Internacional del Disco de Vinilo trasciende fronteras, con eventos que se llevan a cabo en diversas ciudades del mundo. En el Reino Unido, el barrio de Soho, conocido por su concentración de tiendas de discos de vinilo, se convierte en el epicentro de un festival de música gratuito que atrae tanto a locales como a turistas. Además, muchas tiendas de música ofrecen descuentos y promociones en vinilos, lo que resulta en una oportunidad única para los nostálgicos de este formato. En varias ciudades, los aficionados al vinilo se reúnen para intercambiar discos, compartir experiencias y disfrutar de la música de una manera que trasciende lo digital. Estas celebraciones no solo mantienen vivo el espíritu del vinilo, sino que también fomentan el turismo musical, atrayendo a visitantes que buscan conectarse con una parte importante del patrimonio cultural. El Día Internacional del Disco de Vinilo es, en definitiva, una ocasión para celebrar no solo un formato, sino también el impacto duradero que ha tenido en la música y en las experiencias turísticas de quienes aún encuentran en él una conexión con el pasado.

Los históricos rockeros han compartido su paso por Chicago y Detroit Si hay algo mejor que disfrutar en directo de una de las bandas más históricas del rock, es poder hacerlo de dos, y esto es lo que están viviendo los asistentes a la gira que están haciendo en conjunto Def Leppard y Journey. El pasado 6 de julio ambas bandas arrancaron en el Busch Stadium de St. Luis (Misuri) y lo hicieron compartiendo escenario con Cheap Trick, que regresará para los dos últimos conciertos. En la mayoría del resto de fechas estarán acompañados por los también imprescindibles Steve Miller Band. Desde entonces, y hasta el 10 de septiembre, ambos grupos recorrerán Estados Unidos ofreciendo un repertorio completamente distinto al que han estado utilizando hasta ahora, como anunció el guitarrista Phil Collen en una entrevista para Ultimate Classic Rock: «Hemos cambiado todo el repertorio. Ya sabes, hay una pantalla completa [de producción] y hemos estado usando prácticamente el mismo material durante unos 12 años. Así que lo hemos cambiado por completo. El espectáculo en el escenario es drásticamente diferente. Va a requerir mucha energía. Habrá mucho correr de un lado a otro. Así que estoy entrenando, tratando de aumentar la resistencia y todo eso. Vocalmente también. Ya sabes, tengo que cantar todos los días». El líder de Def Leppard, Joe Elliott, también compartió anteriormente que el repertorio celebrará partes específicas de la historia de las bandas: «Incluso podemos tener una sorpresa o dos bajo la manga». 13 de las 18 canciones del set de Def Leppard pertenecen a los álbumes ‘Pyromania’ y ‘Hysteria’, ambos esenciales en la discografía de la banda. Entre las canciones incluidas en el set están «Pyromania», que es el tema seleccionado para la apertura, «Rock! Rock! (Till You Drop)», y «Just Like 73», el último single de Def Leppard que salió a la luz el 20 de junio y en el que colaboran con Tom Morello (Rage Against The Machine).

La década de los 80 fue una era dorada para el rock, caracterizada por la innovación y la experimentación que dieron lugar a una vasta colección de himnos perdurables. Aquí presentamos un análisis detallado de las diez canciones de rock más emblemáticas de los años 80, explorando su impacto, historia y legado. 10. Twisted Sister – We’re Not Gonna Take it (1984) https://www.youtube.com/watch?v=4xmckWVPRaI&pp=ygUzVHdpc3RlZCBTaXN0ZXIg4oCTIFdl4oCZcmUgTm90IEdvbm5hIFRha2UgaXQgKDE5ODQp “We’re Not Gonna Take It” de Twisted Sister es uno de los himnos más emblemáticos del rock de los años 80. Publicada en 1984 como parte del álbum Stay Hungry, la canción se convirtió rápidamente en un éxito, resonando con audiencias de todo el mundo gracias a su mensaje de rebelión y su pegajosa melodía. La canción refleja el espíritu de rebelión que resonó con la juventud de la época, sirviendo como un grito de guerra para aquellos que se sentían oprimidos o reprimidos. Dee Snider escribió la canción como una respuesta a las presiones que enfrentaban tanto él como la banda, creando un himno que se convirtió en un símbolo de autonomía y desafío. 9. “Dancing in the Dark” – Bruce Springsteen (1984) https://www.youtube.com/watch?v=129kuDCQtHs&pp=ygUcaHR0cHM6Ly95b3V0dS5iZS8xMjlrdURDUXRIcw%3D%3D “Dancing in the Dark” de Bruce Springsteen es una de sus canciones más icónicas y un destacado de su carrera. Lanzada en 1984 como el primer sencillo de su exitoso álbum Born in the U.S.A., la canción ayudó a catapultar el álbum a la fama mundial y se convirtió en uno de sus mayores éxitos comerciales.Bruce Springsteen compuso “Dancing in the Dark” como respuesta a la presión de su manager, Jon Landau, para que escribiera un sencillo que pudiese ser un éxito de radio. Springsteen se sintió frustrado por la exigencia de escribir un hit, pero finalmente creó esta canción en una sola noche.La canción explora temas de frustración y deseo de escapar de la rutina diaria. La letra refleja un anhelo por cambiar las circunstancias de uno mismo y encontrar algo más significativo en la vida. 8. “Another One Bites the Dust” – Queen (1980) https://youtu.be/NVIbCvfkO3E “Another One Bites the Dust” es una de las canciones más icónicas de Queen, lanzada el 22 de agosto de 1980 como parte de su álbum The Game. Con su distintivo riff de bajo y su fusión de rock, funk y disco, la canción no solo se convirtió en un gran éxito, sino que también destacó la habilidad de la banda para adaptarse a las tendencias musicales de la época.La letra utiliza el tema de la supervivencia y la superación. Aunque es interpretada de diversas maneras, a menudo se ve como una metáfora de los desafíos personales y conflictos. Con versos como “Another one bites the dust / And another one gone, and another one gone”, la canción transmite una sensación de enfrentarse a las adversidades con determinación. 7. “Eye of the Tiger” – Survivor (1982) https://youtu.be/btPJPFnesV4 En el verano de 1982, mientras el mundo del cine y la música estaban al borde de un cambio, la banda estadounidense Survivor se encontraba en un momento crucial de su carrera. Fue en este contexto que nació “Eye of the Tiger”, un tema que no solo definiría a la banda sino también una era.La historia comienza con Sylvester Stallone, quien buscaba una canción poderosa para acompañar la lucha de su icónico personaje en Rocky III. Después de no lograr los derechos para usar “Another One Bites the Dust” de Queen, Stallone decidió contactar a Survivor. El encargo era claro: necesitaba un tema que capturara el espíritu de la pelea, la perseverancia y la victoria.“Eye of the Tiger” no solo definió a Survivor, sino que dejó una huella imborrable en la cultura popular. La canción ganó un Grammy por Mejor Interpretación Vocal de Rock por un Dúo o Grupo en 1983 y fue nominada a un Premio de la Academia por Mejor Canción Original. Las ventas superaron los 7 millones de copias, asegurando su lugar como uno de los sencillos más vendidos de la década. 6. “Jump” – Van Halen (1984) https://youtu.be/SwYN7mTi6HM En el amanecer de 1984, Van Halen, una de las bandas más icónicas del hard rock, se preparaba para un gran cambio. Fue en este contexto de innovación y experimentación que nació “Jump”, un tema que redefiniría la imagen de la banda y marcaría un hito en la historia del rock.El guitarrista Eddie Van Halen, conocido por su virtuosismo en la guitarra, sorprendió a todos al centrarse en el teclado para esta nueva canción. La idea de “Jump” había estado rondando su mente durante años, pero no había encontrado el momento adecuado para desarrollarla. En su estudio personal, conocido como 5150 Studios, Eddie comenzó a trabajar en el icónico riff de teclado que se convertiría en el corazón de “Jump”.David Lee Roth, el carismático vocalista de la banda, aportó la letra inspirada en un incidente trivial. Un día, mientras observaba las noticias en la televisión, vio a un hombre que amenazaba con saltar desde una ventana de un edificio. Aunque trágica, la situación le inspiró a escribir el verso “Go ahead and jump”, pero en un giro positivo, como un llamado a la acción y al atrevimiento. El contraste entre la energía optimista de la música y el origen más oscuro de la letra agregó una profundidad inesperada al tema. 5. “Pour Some Sugar on Me” – Def Leppard (1987) https://youtu.be/eqNZyc-YBGQ En el bullicio de 1987, cuando el glam metal y el rock de estadio dominaban las listas, Def Leppard lanzó una canción que definiría una era. “Pour Some Sugar on Me”, un himno cargado de energía y sensualidad, se convertiría en el éxito que catapultó al álbum Hysteria a lo más alto y aseguró el legado de la banda británica.La historia detrás de la creación de “Pour Some Sugar on Me” es tan fascinante como el propio tema. Tras el accidente automovilístico en 1984 que costó el brazo al baterista Rick Allen, la banda enfrentaba un desafío monumental. Decididos a no rendirse, comenzaron a trabajar en Hysteria con una visión clara: crear un álbum que no solo fuera un éxito,

El rock es un género musical conocido por su energía, su rebeldía y su constante búsqueda de innovación. A lo largo de su historia, numerosas bandas y artistas han experimentado con una amplia variedad de instrumentos para crear sonidos únicos y distintivos.En este artículo, exploraremos algunos de los instrumentos más extraños utilizados en el rock, destacando cómo han contribuido a la evolución del género y mencionando ejemplos notables de su uso.Cuando pensamos en rock, es probable que lo primero que venga a la mente sean guitarras eléctricas, bajos y baterías. Sin embargo, muchos músicos han ido más allá de estos instrumentos convencionales, incorporando herramientas inusuales para crear efectos sorprendentes y expandir los límites del sonido rock. Aquí, analizamos algunos de estos instrumentos poco comunes y su impacto en la música rock. Theremin El theremin es uno de los instrumentos electrónicos más antiguos, inventado por Léon Theremin en 1920. Se toca sin contacto físico: el intérprete mueve las manos cerca de dos antenas que controlan la frecuencia y la amplitud del sonido.Uno de los usos más famosos del theremin en el rock es en “Good Vibrations” de The Beach Boys. Brian Wilson lo utilizó para crear el distintivo sonido psicodélico de la canción, demostrando cómo este instrumento puede añadir una capa etérea y futurista a la música rock. Mellotron El Mellotron es un teclado electromecánico desarrollado en los años 60. Utiliza cintas de audio pregrabadas para reproducir sonidos de instrumentos orquestales, lo que permite a los músicos incorporar cuerdas, coros y otros sonidos sin necesidad de una orquesta completa.El Mellotron fue popularizado por bandas de rock progresivo como King Crimson y The Moody Blues. “Strawberry Fields Forever” de The Beatles es otro ejemplo icónico, donde el Mellotron contribuye a la atmósfera onírica de la canción. Sitar El sitar es un instrumento de cuerda tradicional de la India, famoso por su sonido resonante y sus complejas técnicas de ejecución. Ha sido un elemento central en la música clásica india durante siglos.El sitar fue introducido al rock occidental por George Harrison de The Beatles, especialmente en canciones como “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)”. La incorporación del sitar añadió un toque exótico y meditativo al rock psicodélico de la década de 1960. Clavioline El Clavioline es un teclado electrónico monofónico inventado en la década de 1940. Es conocido por su sonido distintivo que puede imitar una variedad de instrumentos.Uno de los ejemplos más famosos del Clavioline en el rock es “Telstar” de The Tornados, un éxito instrumental de 1962. El uso del Clavioline en esta canción ayudó a crear un sonido futurista y espacial que capturó la imaginación del público. Hurdy Gurdy El hurdy gurdy es un instrumento de cuerda mecánico que data de la Edad Media. Se toca girando una manivela que frota una rueda contra las cuerdas, similar al funcionamiento de un arco de violín, mientras que un teclado manipula las cuerdas melódicas.El hurdy gurdy ha sido utilizado por bandas de rock folk y medieval, como Blackmore’s Night, la banda de Ritchie Blackmore. También aparece en la música de artistas como Donovan, quien lo usó en su canción “Hurdy Gurdy Man”. Chapman Stick El Chapman Stick es un instrumento de cuerda eléctrico inventado por Emmett Chapman en la década de 1970. Combina características de la guitarra y el bajo, y se toca mediante tapping, lo que permite al músico tocar melodía, armonía y bajo simultáneamente.Tony Levin, conocido por su trabajo con King Crimson y Peter Gabriel, es uno de los intérpretes más famosos del Chapman Stick. Este instrumento ha permitido a músicos crear texturas sonoras complejas y polifónicas que no son posibles con instrumentos tradicionales de cuerda. Didgeridoo El didgeridoo es un instrumento de viento tradicional de los aborígenes australianos, conocido por su sonido profundo y resonante. Se toca mediante una técnica de respiración circular, que permite producir un tono continuo.El didgeridoo ha sido utilizado por bandas como Jamiroquai en su álbum “Emergency on Planet Earth” y por artistas como Xavier Rudd, quien lo combina con elementos de rock y folk para crear una fusión única. Omnichord El Omnichord es un instrumento electrónico desarrollado por Suzuki en la década de 1980. Combina un teclado con un “strumplate” que permite tocar acordes y melodías simultáneamente. El Omnichord ha sido utilizado por bandas y artistas como Radiohead y Björk para añadir texturas electrónicas y atmosféricas a su música. Su facilidad de uso y su sonido distintivo lo hacen una herramienta popular para la experimentación sonora. Kalimba La kalimba, también conocida como piano de pulgar, es un instrumento africano que consiste en una serie de lengüetas de metal montadas sobre una caja de resonancia. Se toca pulsando las lengüetas con los pulgares.La kalimba ha sido utilizada por artistas como Earth, Wind & Fire, quienes incorporaron el instrumento en su música para añadir un toque exótico y rítmico. También ha aparecido en las grabaciones de bandas de rock alternativo que buscan explorar sonidos no convencionales. Gamelán El gamelán es un conjunto instrumental tradicional de Indonesia, que incluye una variedad de instrumentos de percusión como gongs, metalófonos y tambores. Es conocido por sus intrincadas y polirrítmicas composiciones. El gamelán ha sido utilizado por bandas de rock experimental y avant-garde, como Sonic Youth, quienes han incorporado estos instrumentos en sus grabaciones para crear paisajes sonoros complejos y atmosféricos.

Para la gran mayoría, Freddie Mercury será recordado por siempre, como el mejor cantante del planeta. Sin embargo, el propio Mercury también tenía su buena playlist, sus buenos discos, incluidos ahí la que él cree que es la banda de rock más grande del mundo (a parte la suya, por supuesto). Led Zeppelin y Queen son dos bandas que miles de fans de todo el mundo pueden llamar con seguridad las mejores de la historia. Ambos grupos británicos son compañeros y sus integrantes no dudan en reconocer la grandeza de sus colegas. De hecho, el propio Robert Plant afirmó una vez que “Freddie Mercury cantó todas sus canciones desde el principio, de una forma original y como nadie las podría cantar, ni nosotros”. Mercury admitió que le gustaba el dios dorado de Led Zeppelin, Robert Plant, y dijo que admiraba el “poder irresistible” que representaba la banda. Este comentario es, por supuesto, era reciprocó ya que cada uno tenía el mismo sentimiento para con el otro. El cantante oriundo de West Bromwicha Robert Plant, elogió al gran Freddie Mercury, pronunciando estas hermosas palabras: “Todo lo que cantó lo hizo en el tono correcto, un cantó con mucha confianza y belleza”, quien fue igualmente admirado por el líder de Queen. Como recuerda la revista Far Out, Mercury afirmó una vez que Led Zeppelin era “el mejor” y, por supuesto, respondió a los elogios de Plant. “Diría que Led Zeppelin son los mejores y como banda de rock merecen todos los reconocimientos posibles”, dijo una vez Farrokh Bulsara (nombre real de Mercury) sobre el cuarteto de Londres. “Robert Plant es uno de los cantantes más originales de nuestro tiempo. Siempre ha sido mi cantante favorito y dijo cosas bonitas de mí”.

Si nos referimos a una imagen simbolizada, asociada del Heavy Metal, y una banda en particular, hablamos de Eddie The Head, “mascota” de Iron Maiden. Adornado con diferentes historias, morfologías, incluso criticada por sus portadas llamándolas “satánicas” que se convirtió en la imagen más reconocible del merchandising de la banda. Este personaje aparece en todas las portadas de los álbumes de la banda.Según el autor Neil Daniels en su biografía “The origin Iron Maiden”, el personaje hace referencia a los orígenes de la banda británica a finales de los 70, cuando entre sus integrantes se encontraba el bajista y líder Steve Led by Jeff Harris, para darle un toque con más drama, decidieron instalar una cabeza de muñeco tétrica detrás del escenario.¿De dónde nació Eddie The Head?El manager de Iron Maiden, Rod Smallwood, menciono que, “Eddie nació del hecho de que los miembros de la banda eran muy tímidos, así que tuvimos que inventarnos una criatura que diera la cara por ellos. De ese modo, nació la idea de agregarle piernas y brazos a Eddie, para convertirlo en personaje de portada. Quisimos que fuera enigmático. Tiene diferentes formas y tamaños, puede ser etéreo, salvaje; siempre divertido y siempre de nuestro lado. Desde su creación, ha sido muy divertido trabajar con él”.Por otro lado, Derek Riggs, en una entrevista mencionó que se inspiró en una propaganda de guerra publicada durante la Guerra de Vietnam.

La canción de Radiohead que surgió de una crisis Esta canción de Radiohead es producto de una broma, una noche solitaria y muho alcohol, bueno, una especie de crisis nerviosa, dijo Thom Yorke. Radiohead no la pasaba bien Aunque Radiohead es una de las bandas más populares del mundo, pasaron por muchas dificultades para llegar a donde están hoy. Después de que su sencillo debut Creep fuera censurado por la BBC por ser “Demasiado triste” y su primer álbum Pablo Honey fracasara, la banda liderada por Thom Yorke volvió al estudio para perfeccionar un segundo lanzamiento: The Bends. Las palabras de Yorke Como recuerda la revista Far Out, los conciertos y las giras agotaron a Yorke, quien le dijo a la NME: “Estoy enfermo como el infierno. Físicamente estoy completamente agotado, y, pues Mentalmente, ya tuve suficiente”. Sin embargo, Radiohead convirtió la experiencia en una lección aprendida. De hecho, Ed O’Brien dijo: “Sabemos algunas cosas sobre The Bends que no sabíamos sobre Pablo Honey… Si suena realmente genial con Tom tocando acústicamente con Phil y Colin Greenwood, ¿cuál es el punto de agregar algo más? La anécdota detrás de la canción Entre las pistas que se encuentran en el LP mencionado anteriormente se encuentra “Fake Plastic Trees”, que apareció en la banda sonora de Clueless (1995) y fue un éxito, subiendo al número 20 en la lista de singles del Reino Unido. Bueno, a primera vista, la canción puede ofrecer una agradable sensación de paz y tranquilidad, pero lo cierto es que Yorke revela los oscuros orígenes de “Fake Plastic Trees”. En una entrevista, explicó que la canción era: “El producto de una broma que no era realmente una broma, una noche de borrachera muy solitaria y, bueno, una especie de crisis nerviosa”. John Leckie, uno de los productores de The Bends, recuerda: “Decidieron usar cuerdas en ‘(Nice Dream)’, así que pensé que si todavía las teníamos, tendría sentido usarlas en dos o tres pistas. La noche antes de que llegara los músicos de cuerdas, Tom se apresuró al estudio y grabó una pieza de “Fake Plastic Trees”. York comentó: “Fue uno de los peores días para mí. Pasé las primeras cinco o seis horas en el estudio gritándole a la gente, y luego John echó a todos. Me sentó e hice una guía vocal en ‘Fake Plastic Trees’”. Según Jonny Greenwood, después de que Tom la tocó en tres tomas, se puso a llorar. Se viene nuevo material de Radiohead El baterista de Radiohead, Philip Selway, ha sido entrevistado por varios medios sobre el lanzamiento de su segundo álbum en solitario, Strange Dance. En estas notas, el músico no solo habla de su proyecto personal, sino que asegura que sacarán algún material de Radiohead en los próximos años. En una entrevista el baterista dijo: “Siempre estamos hablando de hacer algo. Pero en términos de una especie de proyecto colectivo, más allá de lo que hicimos con el relanzamiento de Kid A. y Amnesiac, eso es en lo que seguimos pensando. Aunque hablamos de eso, todos están en sus proyectos en este momento”. El músico continuó: “Cuando llegó la pandemia, planeábamos tomarnos un descanso de Radiohead por un tiempo para hacer otras cosas. Pero al mismo tiempo, estos proyectos han crecido y ahora les estamos dando tiempo para que lleguen a donde deben estar. Pero sí, pronto volveremos con Radiohead y hay algo para los próximos dos años”. En enero, el propio Selway confirmó que Radiohead se reuniría este año. “ “Nos reuniremos a principios de año y estoy seguro de que comenzaremos a buscar otras ideas sobre qué hacer a continuación”, dijo el músico en una entrevista. También insinuó que podrían estar haciendo algo sobre el 20 aniversario de Hail To The Thief. Esperemos!