Morten Harket, cantante de A-HA, afirmo.
Siempre había querido hacer música a gran escala, pero nunca supe cómo iba a suceder, hasta que vi una banda en Oslo llamada Bridges. Me quedé atónito. Lo tenían todo. Lo único que no tenían era a mí. Sabía que necesitaba unirme, no por mi propio bien, sino por el de la banda. Sabía que era un ingrediente necesario.
Tuvimos que dejar Noruega e ir a donde todo estaba sucediendo, que era Londres. Nos encantó, pero fue difícil. No teníamos dinero, literalmente nos moríamos de hambre. Todo empezó a ponerse feo. Pagar por la comida no era una opción. Recuerdo que casi me desmayo en la calle. Estaba afectando mi estado mental. Le enviamos un par de demos a un tipo llamado Terry Slater, usando lo último de nuestro dinero. Y luego las cosas cambiaron. Nos consiguió un contrato con Warner y dijo que simplemente siguiéramos inventando canciones, porque cuando el éxito lo golpea, ni siquiera sabrá su nombre.
Ya habíamos escrito Take on Me pero no lo habíamos grabado. Paul [Waaktaar-Savoy, guitarrista] me la había tocado por primera vez en la casa de sus padres, en el sótano. Tenía una vieja guitarra de cuerdas de nailon con pinturas hippies y ensayaba los acordes con Magne [Furuholmen], el otro integrnate de la banda, tocando el riff en el piano. En el momento en que lo escuché, supe que era el que rompería todo.
Sin embargo, fue solo un riff. Escribimos el resto juntos. Me recordó a un anuncio de gomas de mascar que decía: “Juicy Fruit es un paquete lleno de luz solar”. Eso influyó en la melodía del verso. Paul tuvo la idea de usar realmente mi rango vocal en el coro, haciendo que las notas subieran en octavas como Also Sprach Zarathustra de Strauss. En cuanto a tocar esa última nota alta, o tienes alas o no, la voz no está en la garganta, está en la sangre. Es lo que imaginas, lo que crees. La gente piensa que el coro es la parte difícil de Take on Me, pero se equivocan. La parte difícil fue hacer rebotar los versos.
La canción fue lanzada tres veces y siguió sin despegar. Las cosas no estaban bien gestionadas en los primeros días. Pero a Jeff Ayeroff de Warner le gustó y puso al equipo para el video, que fue lo que hizo que las cosas se movieran realmente. Fue un ascenso constante, llegando al número 2 en el Reino Unido y al número 1 en Estados Unidos en 1985. Era lo que habíamos estado esperando que sucediera. Que estaba destinado a ser. Desde entonces, la canción y el video se han reproducido hasta la muerte en todo el mundo. Tiene su propia carrera. Vive su propia vida.
Michael Patterson, animador del video musical:
Hice un cortometraje llamado Commuter que fue pionero en el estilo de animación de dibujo a lápiz que luego usé en el video Take on Me. Estaba experimentando cómo crear una impresión fugaz. Si miras una pintura de Turner, puedes ver en ella: el estilo puede ser impresionista pero aún puedes ver la realidad. Quería hacer una animación que tuviera esa calidad.
Mi socia Candace y yo recibimos una llamada de nuestro distribuidor. “Este hombre de Hollywood quiere una copia gratuita de Commuter”, dijo. “Le dije que se fuera al infierno, pero si quieres llamarlo, aquí tienes su número”. Lo anoté en un trozo de papel y lo guardé en mi billetera. Diez meses después, estábamos en Los Ángeles y nos estábamos quedando sin dinero, así que llamé al número y el tipo dijo: “Oye, ¿estás interesado en hacer un video musical?”
Luego conocimos a Jeff Ayeroff en Warner, un talentoso de los videos musicales. Tenía un decorado fuera de su oficina que decía: “Maestro del Universo”. Él dijo: “Tengo esta idea: un personaje de cómic cobra vida y se enamora de una chica”. Durante 16 semanas, todo lo que hicimos fue dormir y trabajar en el video, yo en la sala y Candace en la cocina. Hicimos alrededor de 2.000 dibujos.